Album The prisoner

Publié le 9 Mars 2025

L'un des premiers albums enregistrés par Herbie Hancock après son départ du quintet de Miles Davis en 1968, ainsi que son dernier album pour Blue Note, The Prisoner est l'un des efforts les plus ambitieux de Hancock. En assemblant un nonette qui met en vedette Joe Henderson (saxophone ténor, flûte alto), Johnny Coles (flugelhorn/bugle), Garnett Brown (trombone), Buster Williams (basse) et Albert « Tootie » Heath (batterie), il a créé sa plus grande œuvre depuis My Point of View .

Notes de pochette de l'album original :

« De manière générale, c'est avec cet album que j'ai pu me rapprocher le plus de moi-même que sur n'importe quel autre album précédent. » C'est un jugement de valeur porté sur Herbie Hancock, le jeune pianiste-compositeur de jazz talentueux et de haut niveau qui a quitté l'aura charismatique et nourrissante du groupe de Miles Davis pour s'aventurer à diriger son propre groupe afin de cultiver son imagination et de façonner ses propres concepts musicaux.

Et à quoi Hancock fait-il alors référence lorsqu’il évoque « le vrai moi » ? Je reconnais que personne ne peut vraiment définir qui est vraiment quelqu’un, mais d’un autre côté, des indices et des réponses intuitives peuvent être confirmés à divers degrés pour affiner une vision de quelqu’un. Au cours des deux dernières années, Herbie et moi avons eu plusieurs longs dialogues que je considère comme des sources d’information utiles pour découvrir ce que le psychologue Benjamin Bloom appelle les « domaines cognitivo-affectifs » d’Herbie Hancock tels qu’ils peuvent être liés à la musique. C’est pourquoi j’ai inclus quelques extraits et interprétations qui peuvent donner un aperçu de la mosaïque de Hancock.

Hancock a exprimé ses espoirs et ses tendances musicales : « Je veux que ma musique évolue vers un point où elle puisse contenir cette partie de moi qui est relativement la plus musicale pour les gens – mais dans un climat de jazz qui peut communiquer avec le grand public. » Il fait référence à une résidence florissante dans le jazz alors qu’il existe une ligne mélodique proprement facile à chanter et à mémoriser, mais il fait également référence à des corrélations dans le rythme et l’harmonie. « J’essaie d’écrire des mélodies fredonnables avec une sorte d’élément rythmique dont les gens peuvent être touchés », a-t-il poursuivi, « et l’une des clés de la chose rythmique est la mesure binaire. » À cet égard, il a parlé de la mesure binaire du rock et de la sensation de mesure ternaire du jazz. « Les gens peuvent s’identifier davantage à la mesure binaire, donc le batteur joue une mesure mais ne joue pas, cependant, du rock en soi », a-t-il précisé, « donc vous entendez le batteur jouer du jazz. »

Cette flexibilité métrique est considérée comme une ressource pour les percussions de jazz et Hancock a composé des morceaux en utilisant un type de rythme bossa nova abâtardi avec une touche de rock. Il utilise la bossa nova qui a une mesure binaire parce que c'est cette caractéristique métrique qui a rendu la bossa nova populaire, tout comme les mélodies intrinsèquement simples. Ces éléments attrayants expliquent pourquoi Hancock les utilise comme des outils de communication. En ce qui concerne l'harmonie, il a déclaré : « L'harmonie est l'élément qui offre encore plus de flexibilité. Le positionnement différencié des accords dans mon "Maiden Voyage" en est un exemple, et "Speak like A Child" ressemble un peu à une ballade pop. C'est une extension du concept de mélodie et de rythme simples liés à une harmonie plus avancée. » En résumant sa raison d'être pour explorer des domaines dans cette sphère, il a déclaré : « C'est comme une immense porte avec beaucoup de petites portes vers le public extérieur et j'essaie différentes portes. »

Tous ces éléments clés auxquels Hancock adhère dans sa réponse au défi de l’orchestration de la couleur sont utilisés pour élargir son concept de couleur du groupe. Cela explique en partie son utilisation du trombone basse, de la clarinette basse et de la flûte en ut en plus de l’instrumentation de base de son sextuor. Des clusters, des éclaboussures, des accents et des sons qui créent des images et des effets visuels ressortent de sa partition. On peut vraiment détecter une alliance étroite des orchestrations de Hancock avec ces effets coloristiques et ces sons si brillamment réalisés par Gil Evans – dont les collaborations monumentales avec Miles Davis en particulier ont créé des références historiques. Hancock a parlé avec admiration : « J’aime vraiment Gil. Gil Evans est trompeur dans le son qu’il obtient parce qu’il semble beaucoup plus large. La façon dont il exprime ses accords est qu’il obtient un mouvement mélodique sur le bas qui va au-delà d’un simple mouvement fonctionnel… sa musique est plus dynamique, plus colorée. Il y a un flux naturel de mélodie menant au son. »

En parlant des influences qui ont influencé Herbie Hancock dans son développement, outre Gil et Miles, il y a Bill Evans qui fut le premier pianiste auquel Hancock pouvait vraiment s'identifier. Quand Hancock a commencé dans le jazz, George Shearing et Bud Powell étaient ses forces d'influence, et Hancock possédait une approche harmonique plus emphatique avant que son approche mélodique ne soit sûre. Quant à Bill Evans, Hancock s'est exclamé : « Quand j'ai entendu Bill, j'ai su que c'était ça ! L'harmonie m'a toujours stimulé. J'étais intrigué par les différents sons d'accords et Bud m'a ouvert la voie ; il a joué un grand rôle dans ma croissance et mon développement. » Les mélodies de Hancock sont simples et il essaie d'obtenir de nouvelles relations entre les accords, chaque succession d'accords présentant un incrément de surprise. En effet, il n'y a pas d'établissement d'un centre tonal fort. Et dans la façon dont les accords se succèdent, il y a suffisamment d'espace et de liberté entre les relations d'accords pour que les solistes se sentent libres de commenter confortablement et comme ils le ressentent.

En ce qui concerne les musiciens de son groupe, il a sélectionné ceux qui jouent de manière mélodique… cela ne veut pas dire qu’il voulait des gars qui accordent moins d’importance à la structure des accords, mais plutôt des musiciens qui sont résolument plus conscients du son. « Tous mes solistes, explique-t-il, jouent un style différent, mais une partie de chacun est liée à l’autre, et je fais un peu de leur truc à tous. »

Joe Henderson est l'un des meilleurs saxophonistes actuels et il met le feu au sein du groupe. Le fluegelhorniste Johnny Coles sonne comme un jeune lion. Hancock a déclaré : « Johnny bouge au moment présent. Il joue des choses d'une telle beauté que je me demande d'où elles viennent. Il est juste assez doué pour saisir les notes qu'il entend et les faire sortir, et c'est une âme pure qui en ressort. Les choses de Coles sont liées à celles de Miles, mais Coles ne choisit pas les mêmes notes même si je pense qu'elles sont conceptuellement similaires. » Et le tromboniste Garnett Brown, qui a été très actif dans les studios de New York et qui a joué un rôle important avec le Thad Jones-Mel Lewis Jazz Orchestra, est considéré comme une chance pour Hancock, car Herbie pense que l'expérience de Garnett est très précieuse pour le groupe.

Le batteur Al « Tootie » Heath a passé un bon nombre d’années en Europe en tant qu’expatrié jazz américain avant de rentrer chez lui l’année dernière, et sur recommandation de Ron Carter, Hancock a recruté Heath dans son groupe. Hancock observe comme d’autres l’ont fait : « Tootie joue des choses que je ne l’ai jamais entendu jouer auparavant, il utilise la batterie de manière totalement impliquée et il peut vraiment swinguer… très, savoureux, très flexible et ses grandes oreilles écoutent tout ! » Buster Williams semble jouer partout – avec Nancy Wilson, avec les Jazz Crusaders, et al. Il remplit la fonction de base de la basse en fournissant la fondation, mais il fonctionne également magnifiquement comme cuivre. Hancock pense que le style de Buster est parfait pour le groupe car il comprend également la structure formelle des accords et comprend « le son Hancock ».

Sur cet album où Hancock utilise un nonette, il cite les mérites d'Hubert Laws en particulier, soulignant que Laws est l'un des meilleurs flûtistes classiques ou de jazz ; Laws est utilisé par l'Orchestre philharmonique de New York et d'autres unités classiques pour des solos de flûte, tout comme il est largement utilisé dans de nombreux arrangements de jazz.

Le titre de cet album, The Prisoner , donne à Hancock une orientation thématique pour exprimer la façon dont les Noirs sont emprisonnés depuis longtemps. Le lien entre la mélodie d'ouverture et le regretté Dr. Martin Luther King est évident. J'ai entendu ce morceau pour la première fois comme un morceau sans titre lorsque Hancock l'a interprété au Festival de jazz de l'Université de Californie en 1968. Il a une ligne aérienne et chantable avec la mélodie au-dessus de la structure d'accords ; la première note de la mélodie est la neuvième et comme il y a des changements d'accords, une légèreté naît de ces changements. Une fois de plus, il n'y a pas de centre tonal omniprésent dans « I Have A Dream ».

« The Prisoner » est divisé en sections selon un schéma ABCB. Le solo de Joe Henderson dans la section centrale montre l'utilisation de la liberté et de l'espace offerts par l'écriture de Hancock. L'intérêt ici est sur le son.

La composition s'inspire du Sacre du printemps de Stravinsky. L'arrangement de Hancock de « Firewater » de Buster Williams rappelle le modèle conceptuel de Gil Evans. Le titre indique la dualité sociale de l'oppresseur et de l'opprimé. L'idée du feu et de l'eau symbolise, pour Hancock, le sentiment du feu dans la violence et dans le jeu de pouvoir et le sentiment de l'eau chez le Dr King. De même, « He Who Lives in Fear » fait référence au fait que King a dû vivre dans une atmosphère chargée d'intimidation. Grâce à un habile processus de manipulation et de remodelage d'un jingle branché que Hancock avait fait pour une publicité télévisée pour cigarettes, il a fait évoluer une pièce complètement nouvelle avec une mélodie et un modèle harmonique différents. Les juxtapositions qu'il a faites sont ressorties magnifiquement avec un autre joyau de Hancock.

Enfin, « Promise Of The Sun », une mélodie entraînante que vous n'oublierez pas facilement, symbolise la façon dont le soleil promet la vie et la liberté à tous les êtres vivants et pourtant les blocs ne sont pas encore libres.

Je pense que c’est une chance que Herbie Hancock, un homme affable et libre d’esprit, puisse si bien combiner ses influences créatives puissantes et sa riche expérience à travers des gens comme Gil Evans, Miles Davis et Bill Evans. C’est aussi une marque de respect et d’admiration chaleureuse pour Hancock, car il faut quelqu’un avec des pouvoirs créatifs pour accomplir ces processus. « Le vrai Herbie Hancock » n’est ni un rêve irréaliste ni un prisonnier. Il est là pour que vous l’écoutiez, que vous le creusiez. Et vous l’entendrez de nombreuses fois sur une bande originale de film, un générique de télévision ou un autre enregistrement à l’avenir, alors que Hancock complètera d’autres pièces de la mosaïque Hancock. – Herb Wong.

source

https://www.herbiehancock.com/album/the-prisoner/